Achtung, Provinz!

Welt im Kleinen: Die Kleinplastik-Triennale in Fellbach erschrickt die Städter

Vladimir Arkhipov, studierter Ingenieur und Künstler, weiß um die Erfindungsgabe der Bastler. In Kellern und Garagen spürt er ihr nach und fördert Allerseltsamstes zutage: Einer befestigt eine Klobürste auf einer Bohrmaschine, um damit Nüsse zu schrubben, ein anderer verwandelt eine alte Kupferwärmflasche in einen Eierwärmer für den Frühstückstisch und rüstet einen Handhobel fix zur Möhrenraspel um. So entstehen, eher spontan und absichtslos als kalkuliert, lauter Unikate, die vieles sind, nur keine Waren. Was aus einer oft kruden Mischung aus geduldiger Handarbeit und künstlerischem Esprit hervorgeht, das löst die wirklich drängenden Probleme und zeugt von jeder Menge Erfahrungswissen. Hier scheint es lebendig geblieben zu sein, das innige Interesse an den Dingen. Und glaubt man Matthias Winzen, so wird im Bastelkeller spielerisch eine tiefe ontologische Krise bearbeitet: die unserer zerfallenden Beziehungen zu den Dingen.

»Triennale Kleinplastik«, der Name der Veranstaltung ist schon seit längerem wenig hilfreich. Denn was einst mit Bozetti, Modellen und Maquetten in Verbindung gebracht und noch in den achtziger Jahren in der Stadthalle zwischen Stellwänden mehr schlecht als recht präsentiert wurde, hat sich, wie alle Gattungen und Unterabteilungen, aufgelöst. Schon vor drei Jahren, als Jean-Christophe Ammann die Schau verantwortete, passte nur weniges in die Schablone Kleinplastik. Zugleich werden viele glauben: Fellbach, das ist tiefste Provinz; ergo kann dort auch keine wichtige Ausstellung stattfinden. Doch erstens sind es in diesem Kunstsommer die Zentren der Kunst, die enttäuschten, zweitens hat die Veranstaltung eine fast so lange Tradition wie die »Skulptur Projekte Münster«, und drittens würde eine Ausstellung, wie sie Matthias Winzen und Nicole Fritz zusammengestellt haben, sofort jene Aufmerksamkeit finden, die ihr gebührt – fände sie nicht im Speckgürtel von Stuttgart und in einer alten Weinkelter statt, sondern in den Berlinzer Kunst-Werken oder im K21 in Düsseldorf. Denn sie bietet nicht nur 56 künstlerische Positionen von Althamer bis Wohnseifer und Beuys bis Zmijewski, sondern bindet diese in anregende Überlegungen zu der gerade beginnenden Debatte über eine zeitgenössische Skulptur.

Die Dinge, so lautet die Hauptthese, tun nicht länger ihren Dienst. Sie sind dem Subjekt kein anderes, kein Widerpart mehr, in dem es sich spiegelt, sondern lediglich Waren. Also findet das Subjekt nicht mehr zu sich selbst. Auf diese Krise des Dingbezugs antwortet die zeitgenössische Skulptur: »Die Entwertung des einzelnen Dings und damit aller Dinghaftigkeit bedeutet die Entwertung von allem«, schreibt Winzen. Und er fügt hinzu: »Der körperlosen Verflachung des Alltagsraumes in digitaler Zweidimensionalität entspricht die Leibvergessenheit von auf das Visuelle reduzierten Wahrnehmungsgewohnheiten.«

Auch wenn der kulturkritische Überbau gelegentlich etwas pathetisch gerät, die These hat einiges für sich und erklärt obendrein, weshalb die Skulptur eine gewisse historische Dringlichkeit auf ihrer Seite weiß. Indem Skulptur sodann auf dem Einzelnen und Konkreten im Hier und Jetzt beharrt, sich nicht nur an das isolierte Auge, sondern an den ganzen Leib wendet, entfaltet sie ein widerständiges Potential und steigert die Aufmerksamkeit für die Dinge.

Da die Kuratoren davon überzeugt sind, dass die neue Skulptur sich nicht aus der Tradition herleiten lässt, dienen Werke von Joseph Beuys, Louise Bourgeois und Paul Thek eher als Referenzpunkte eines freien skulpturalen Denkens denn als Maßstäbe, denen es nachzueifern gilt. Versammelt werden unter dem mehrdeutigen Titel »Bodycheck« sodann in ihrer Versehrtheit posierende Tierkörperhybride von Berlinde De Bruyckere ebenso wie ironische Spiele mit dem kreativen Prozess, wie sie etwa Stafan Demary mit Hilfe handelsüblicher Figürchen von Karate- und Shaolin-Kämpfern als Kampf mit dem Material inszeniert. Der Bogen ist weit gespannt: Ist es bei Stephan Balkenhol der konstitutive Zusammenhang von Subjekt und Ding, Menschenähnlichkeit und hölzerner Starre, der die Skulptur prägt, so holen Paul McCarthys groteske »Piratenköpfe« all das an die Oberfläche, was Hollywoods Piratenfilme verschweigen. Wenn die Nase zum Penis und das Ohr zur Vagina mutiert, kehrt nicht nur Verdrängtes mitten im Gesicht wieder; die freie, keinem zivilisierenden Gesetz unterworfene Triebhaftigkeit wird überdies zum Gegenbild des Infantilen, das eine Unterhaltungsindustrie prägt, die für den Karneval der Exzesse weder ein Organ noch Sinn für deren Humor hat.

Ob Warenschwemm oder Körperformatierung, rätselhafte Maschinen oder verletzte Kotflügel, Bodyshape oder Fetischismus, die Kunst konfrontiert mit der Anwesenheit der Dinge, irritiert ein naives Körperbewusstsein oder untergräbt die Sicherheit, mit der wir die Dinge gewöhnlich sortieren. So findet, wenn Mária Chilf Geldbörsen wie kleine Klappaltäre öffnet und ihr individuelles Innenleben mit Foto, Briefmarke und Talisman freilegt, im gefalteten Schutzraum eine behutsame Resubjektivierung der Warendinge statt. Und wenn Johannes Wohnseifer das Modellhafte als faules Versprechen auf die Zukunft entlarvt, indem er Mies van der Rohes berühmten »Barcelona-Pavillon« mit der Architektur eines McDonald’s-Restaurants kombiniert, dann beschreibt er nicht nur die abschüssige Bahn eines Modernismus, dessen Entwicklung vom rationalen zum rationellen Bauen führte. Das Modell als Bild macht auch klar: Schluss mit Kleinplastik. Es lebe die Skulptur.

Thomas Wagner, FAZ Sat. 4 August 2007, p. 36:

Attention, it's the back of beyond!

The world on a small scale: the Small Sculpture Triennial in Fellbach frightens the city dwellers

Vladimir Arkhipov, an artist who studied engineering, is conscious of the inventiveness of the hobbyist. He scours cellars and garages and comes up with the strangest of items: a toilet brush attached to a power drill for scrubbing nuts, an old copper hot-water bottle transformed into an egg-warmer for the breakfast table, and a hand plane swiftly converted into a carrot grater. These are one-offs, spontaneous and more unintentional than calculated, but one thing which they certainly are not is commodities. These results of an often crude mix of patient craft and artistic spirit solve really urgent problems and testify to a lot of knowledge and experience. Here an intensely lively interest in things seems to have been preserved. And if we are to believe Matthias Winzen, a deep ontological crisis is being playfully dealt with in many cellars: the crisis in our disintegrating relationship to things.

“Triennale Kleinplastik”, Small Sculpture Triennial – the name of the event has never been very helpful. For what was once linked with bozetti, models and maquettes, and in the 1980s was presented, after a fashion, between dividing walls at the Stadthalle, has disappeared, like all genres and subdivisions. When Jean-Christophe Ammann was responsible for the show three years ago, very little fitted into Small Sculpture template. Many will immediately think: Fellbach, that’s in the back of beyond, so no important exhibition can possibly take place there. But firstly, it is the big art centres that are proving disappointing in this “summer of art”, and secondly, this particular art event has a tradition that is almost as long as the sculpture project in Münster, and thirdly, an exhibition of the kind mounted by Matthias Winzen and Nicole Fritz would certainly attract the attention it deserves, were it not on in the vicinity of Stuttgart and mounted in an old wine cellar, but instead in the Kunst-Werken in Berlin or in K21 in Dusseldorf. It not only offers 56 artistic positions, from Althamer to Wohnseifer and Beuys to Zmijewski, but interweaves them with some inspiring thoughts on the nascent debate about a contemporary sculpture.

The main thesis is that things no longer fulfil their function. They are no longer something alien to the subject, an adversary in which it can be mirrored. They are merely commodities. As a result, the subject is lost, so to speak. Contemporary sculpture is responding to this crisis in our relationship to the thing: “The devaluation of the individual thing, and with it of all thinghood, means the devaluation of everything,” writes Winzen. And adds: “The disembodied flatness of everyday space in digital two-dimensionality corresponds to the habitual body neglect (Leibvergessenheit) by a perception reduced to the visual.”

Even if the culture-critical superstructure occasionally smacks of pathos, the thesis has something going for it, and also explains why sculpture is so convinced that it has a certain historical urgency on its side. Sculpture, by insisting on the individual and concrete in the here and now, by turning not only to the isolated eye but to the whole body, unfolds a resilient potential and heightens our awareness of things. And as the curators are convinced that new sculpture cannot be deduced from tradition, works by Joseph Beuys, Louise Bourgeois and Paul Thek serve more as reference points in a free sculptural thinking, than as models to be emulated. Gathered under the ambivalent title “Bodycheck” are hybrid animal bodies by Berlinde De Bruyckere and ironic games with the creative process staged by Stafan Demary as a battle with material, using commercially available figures of karate and shaolin fighters. The range of the works is broad: Stephan Balkenhol addresses the constitutive link between subject and thing, the similarity with humans and the wooden rigidity that characterises sculpture; Paul McCarthy’s grotesque “Pirate Heads” bring to light what Hollywood pirate films conceal. When a nose mutates into a penis and an ear into a vagina, it is not just the repressed that reappears in the middle of a face – instinct, free and not subject to any civilizing law, becomes a counter-image of the infantility of an entertainment industry that has neither a feeling for the carnival of excesses, nor for its humour.

Be it a glut of commodities or formatted bodies, puzzling machines or damaged car fenders, body shaping or fetishism – art confronts us with the presence of things, unsettles a naïve awareness of the body, and undermines the certainty with which we normally classify things. So when Maria Chilf opens purses as if they were small folding altars and exposes their individual inner lives (consisting of photographs, stamps, a talisman), what is taking place is a cautious re-subjectification of commodities within the protective folded space. And when Johannes Wohnseifer exposes the model as a hollow promise for the future by combining Mies van der Rohe’s famous Barcelona pavilion with the architecture of a McDonald’s restaurant, he is not just describing the slippery slope of a modernism, whose development leads from rational to efficient building. The model as image also insists: Enough of Small Sculpture. Long live Sculpture!