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»Wer
einen Überblick haben möchte, was skulptural heute aktuell
ist, der wird in Fellbach sehr viele Informationen sammeln
können«
(Im März 2007 beantwortete Matthias Winzen, Kurator von »Bodycheck«, der 10. Triennale in Fellbach, die Fragen der Presse. Hier seine Antworten auf die wichtigsten Fragen.)
Der Titel der diesjährigen Triennale in Fellbach lautet »Bodycheck«. Was verbirgt sich hinter diesem Titel?
»Bodycheck« ist eine Metapher, die sich etwas aus dem Sport und aus der Medizin leiht. Den Begriff kennt man im sportlichen Bereich insbesondere aus dem Eishockey, wenn zwei gegnerische Spieler mit ihren Körpern aufeinander prallen. Von der medizinischen Seite klingt der Gesundheitscheck an, wenn der Körper medizinisch unter die Lupe genommen wird.
Wir wollen in der Ausstellung untersuchen, was die Kunst im allgemeinen und die Skulptur im besonderen zu einer Kultivierung unserer eigenen Körperlichkeit beitragen kann. Dahinter steckt die These, dass es insbesondere die Skulptur ist, die den ganzen Leib des Wahrnehmenden herausfordert, im Gegensatz zur fotografischen Kunst oder zur Malerei, also allen zweidimensionalen Künsten.
Geht es Ihnen also um die Objekthaftigkeit der Skulptur?
Wenn ich ein zweidimensionales Bild verstehen möchte, benötige ich zuerst das isolierte Auge. Nur das Auge kann in den Tiefenraum einer Fotografie hinein wandern. Das bedeutet, dass im Prozess der Wahrnehmung der visuelle Sinn vom Rest des Leibes abgetrennt wird. Das isolierte Auge ist unsere dominante Kulturtechnik, denken wir an das Internet und das Fernsehen, denen wir einen bedeutenden Teil unserer Zeit widmen. Das fängt schon mit dem Lesen eines Buches an. Die Skulptur ist da tatsächlich ein Stolperstein. Sie ist köperlich, sie ist dinghaft, sie nimmt Raumvolumen ein, genau wie unser eigener Körper. Skulptur spricht immer den ganzen wahrnehmenden Leib an. Wenn man vor einer Skulptur steht, ist das erste was man wahrnimmt – und zwar intuitiv – ihre Größe. Die Vergleichsgröße, die den Maßstab vorgibt, ist dabei der eigene Körper. Insofern ist der Leib als Ganzheit immer bei der Konfrontation mit Skulptur im Spiel, und zwar auf eine grundsätzliche Art und Weise. Das heißt im Endeffekt, dass jede Wahrnehmung von Skulptur ein Bodycheck ist.
Verstehe ich das richtig, wenn ich das als eine Art Rückgriff auf eine vergangene Sinnlichkeit interpretiere, die wir uns durch die digitalen Medien, die Fotografie und unseren Umgang mit Bildern abgewöhnt haben?
Rückgriff hört sich ein bisschen reaktionär an. Ich kenne keinen Menschen, der nicht in seinem Leib lebt. Es geht einfach um eine gegenwärtige Tatsache. Wenn man morgens aufsteht, wird man gleich mit einem interessanten Problem konfrontiert: Ich bin ein Leib, ich habe einen Leib. Das wird nur nicht bedacht. Und Skulptur denkt das! Skulptur macht unausweichlich zum Thema, dass dem Menschen ein Leibgehäuse zu eigen ist, mit dem er wahrnimmt – auch sich selbst. Man hat also schon beim allmorgendlichen Aufstehen einen interessanten Zwiespalt: Man hat einen Leib, über den man nachdenken kann, und man ist ein Leib, mit dem man sich morgens unter die Dusche stellt. Das ist eine richtig produktive Spannung. Insofern ist es nichts Vergangenes und kein Rückgriff, sondern es ist nur ein Nicht-Vergessen einer gegenwärtigen Lebensbedingung.
Sie fragen in Ihrem Konzept: Was vermag Skulptur heute? Was ist das Eigene von Bildhauerei im Vergleich zu anderen künstlerischen Ausdrucksweisen – zu Malerei, Zeichnung, Fotografie, Video, interdisziplinärer Multimediakunst? Wie lauten Ihre Antworten?
Das waren die Eingangsfragen, mit ihnen haben unsere Überlegungen begonnen. Wie schon erwähnt, kann Skulptur im Vergleich mit den zweidimensionalen Künsten etwas ganz Eigenes. Die zweidimensionalen Künste will ich überhaupt nicht abwerten. Es kommt mir aber darauf an, nicht zu vergessen, was das Ureigene der Skulptur ist.
Aber, um noch etwas konkreter zu werden: Wir untersuchen einen sehr breiten Skulpturbegriff. Anhand der Arbeiten von Joseph Beuys und Paul Thek sowie anderer Künstler, die in den 1960er und 1970er Jahren gearbeitet haben, wird ein historisches Nachdenken darüber stattfinden, was Skulptur heute ist. Es gibt einige Bezugspunkte, von denen ich behaupte, dass sie heute noch spannend und relevant sind. Denn diese Künstler konfrontieren uns unvermindert mit einer ganzheitlichen Wahrnehmung. Dies kommt in der Zwischenzeit beinahe einer Provokation gleich, denkt man an die heute dominierenden Kulturtechniken, die unsere Wahrnehmung den verschiedensten Disziplinen zugewiesen und diese so aufgesplittet haben.
Daran schließt sich ein wichtiger Punkt, die Generation um Katharina Fritsch, Georg Herold, Olaf Metzel und Stefan Balkenhol, die alle um die 50 Jahre alt und international renommierte Bildhauer sind. Sie haben Anfang der 1980er Jahre eine neue Fragestellung nach der Figuration, der menschlichen Gestalt formuliert. Das war damals im Umfeld der Konzeptkunst, den Ausläufern der Minimal Art, sehr provokativ.
Wir haben aber nicht vor, einfach die menschliche Figur rückblickend wieder neu in den Diskurs einzubringen. Uns interessiert vielmehr der heutige Kontextverlust der Figuration. Die menschliche Gestalt steht nicht mehr in Sinnzusammenhängen, sondern geht wie ein nicht erledigtes Problem in Konfrontation zum Betrachter. Damit stellen sich Fragen nach dem Individuum, der Gesellschaft und nach Dingen neu, die im Zusammenhang mit der Postmoderne diskutiert worden sind. Wie etwa Sinnzusammenhänge überhaupt in einem größeren Kontext zusammen zu lesen sind, oder wie viele isolierte Teilzusammenhänge fast beliebig zusammen geklebt werden können, ganz so wie es der postmodernen Architektur vorgeworfen worden ist. Vor genau diesem Hintergrund haben die Künstler der 1980er Jahre also keineswegs naiv die Figuration wieder aufgegriffen, sondern haben ganz konkrete Fragen gestellt.
Ein anderer, großer Part gilt östeuropäischen Künstlern der mittleren und jüngeren Generation, vor allem aus Russland, Polen und Ungarn. In den 1990er Jahren stand der Dialog mit Osteuropa im Mittelpunkt, gab es einen regen Austausch mit diesen Positionen.
Das ist der Hintergrund, vor dem es zu einer breiten Auffächerung dessen kam, was Skulptur heute ist. Im selben Atemzug haben die Künstler selbst die zeitgenössische Skulptur infrage gestellt. Das ist ein entscheidender Punkt, so entwickelt etwa Michael Sailstorfer, gleichzeitig einer der jüngsten Künstler unserer Ausstellung, Skulpturen mit starker Geräuschentwicklung. Ihm kommt es darauf an, die Wahrnehmungsform von Skulptur zu erweitern. Den durchdringenden, dröhnenden – nennen wir es ruhig auch, was es ist – Lärm spürt man in der Magengrube. Ein anderes Bild dafür, wie Skulptur ihre Grenzen erweitert hat, ist bei Kristof Georgen zu sehen. Er macht den Raum zur Skulptur, indem er den Betrachter in eine große Rotunde führt. Durch Lautsprecher an der Wand hört man jemandem beim Joggen zu. Man hat eine Raumerfahrung, die einen gleichsam in den Kopf des Joggenden, also in den angestrengten Körper eines anderen katapultiert. Auch das ist Skulptur. Uns ist es ungemein wichtig, dass diese Selbstreflexion der Skulptur in alle Richtungen sehr intensiv von den Betrachtern verfolgt werden kann. Artur Zmijewski, der für Polen 2005 den Pavillon auf der Biennale in Vendig bespielte, arbeitet dagegen fast ausschließlich mit Video. Der gemeinsame Nenner bleibt jedoch, die Möglichkeiten des menschlichen Körpers auszuloten, anders gesagt: der Bodycheck.
Die Triennale findet in diesem Jahr zum zehnten Mal, insgesamt also seit dreißig Jahren statt. Normalerweise ist das der Moment, ein Resümee zu ziehen, zurück zu blicken. Kommen Sie dem in irgendeiner Form nach?
Unsere Grundüberlegung, die Frage: »Was kann Skulptur heute?«, ist ja bereits eine Hommage an die Jahrzehnte lange Tradition der Triennale. Die sehr erfolgreichen Vorgänger-Triennalen hatten sich immer ein Thema gesetzt, mal länderspezifisch, mal einen ganzen Kontinent unter die Lupe nehmend. Dieses Jahr fragen wir dagegen grundsätzlich nach Skulptur, wir greifen das Thema von seiner grundsätzlichen Seite auf.
In diesem Jahr finden auch die documenta in Kassel und die Skulptur.Projekte in Münster statt. Machen Sie sich Sorgen darüber, hinter dieser scheinbar übermächtigen Konkurrenz zu verschwinden oder sehen Sie das vielleicht auch als Chance?
Das ist zunächst einmal ein konturiertes Angebot an die Betrachter in diesem Kultursommer. Wenn alle diese Ausstellungen absolviert sind, werden sich Fragen stellen.
Aber beginnen wir zunächst mit den Fakten. Der Etat in Fellbach ist in keiner Weise mit den Etats in Münster oder Kassel vergleichbar. Dennoch werden in Fellbach mehr Künstler als in Münster zu sehen sein. Das liegt daran, dass in Münster Kunst im öffentlichen Raum realisiert wird. Das ist immer eine sehr teure Sache und beschränkt die Teilnehmerzahl auf 30 oder 40. Wer dagegen einen Überblick haben möchte, was skulptural heute aktuell ist, der wird in Fellbach sehr viele Informationen sammeln können. In Kassel werden wir abwarten müssen, wie das Konzept genau aussieht. So eine Großveranstaltung mit ihren vielen Zwängen entwickelt sehr schnell eine schwer zu kontrollierende Eigendynamik, die nicht mehr kuratiert werden kann. Es stellt sich dabei generell die Frage, wie sinnvoll solche Großveranstaltungen noch sind, die ihre historische Mission erledigt, sie hinter sich haben. Die documenta hat in den 1950er und 1960er Jahren Kultur ins frisch entnazifizierte Deutschland gebracht und einem breiten Publikum die internationale Moderne teils sehr konfliktträchtig näher gebracht. Eine solche sinnstiftende Mission fehlt der documenta heute. Das ist wirklich ein Problem, das hinterher einmal diskutiert werden sollte. Wir geben uns dagegen in Fellbach keinen Illusionen darüber hin, welchen Umfang wir mit unserem schmalen Etat realisieren können. Wir konzentrieren uns vielmehr auf eine konturierte, durchdachte, thematische Ausstellung, die alle Interessierten informieren und ansprechen soll.
Sie machen aus der Not also eine Tugend und sehen das als Vorteil, um so eine pointierte und konzentrierte Ausstellung auf die Beine zu stellen?
Sagen wir es einmal so, ich habe bestimmte Nöte erst gar nicht. Uns stehen keine Galeristen und Kunsthändler gegenüber, die massiven Einfluss zu nehmen versuchen. Wenn man damit konfrontiert wäre, müsste man ganz anders zu Werke gehen. Ich bin ganz froh, hier ungezwungen arbeiten zu können und keine riesige Abspielstätte ins Laufen bringen zu müssen, die nur schwerlich über ein kuratorisches Konzept aufzustellen ist.
» Anybody wanting to get an overview of what is current in the world of sculpture today will certainly be able to gather a good deal of information in Fellbach «
(In March 2007 Matthias Winzen, curator of »Bodycheck«, the 10th Fellbach Triennial, answered questions from the press. Here are his replies to the most important questions.)
The title of this year’s Triennial in Fellbach is »Bodycheck«. What does this title imply?
»Bodycheck« is a metaphor, which draws on elements from the worlds of both sport and medicine. The term is well known in the field of ice hockey and describes the situation where one player uses his whole body to impede an opponent. Medically speaking the reference is to a health check, where the body is put under the medical microscope, as it were.
We want to investigate in the exhibition the extent to which art in general and sculpture in particular can contribute to a cultivation of our own corporeality. The thesis behind this approach suggests that it is particularly sculpture, which is able to challenge the whole body of the perceiving subject, in contrast to photography or painting, that is to say all two-dimensional art forms.
Are you particularly concerned with the essential »objectiveness« of sculpture?
I need an isolated eye if I want to understand a two-dimensional image. Only the eye can stray into the depth of a photograph. This means that where the perception process is concerned, the visual sense is separated from the rest of the body. The isolated eye is our dominant cultural technical device—think about the Internet or television, to which we devote a significant amount of our time. It already starts when you read a book. Sculpture is a bit of a stumbling block in this instance. It is physical, material, it takes up space in the same way that our bodies do. Sculpture speaks to the whole perceiving body. When you stand in front of a piece of sculpture the first thing you notice—intuitively—is its size. One’s own body provides the comparative scale here. That’s why the body as a whole always has a role to play in the confrontation with sculpture and always on a fundamental level. In the final analysis this means that sculpture constitutes a body check each time it is perceived.
Am I right in interpreting it as recourse to a past sensuality that we have since weaned ourselves off with our use of digital media, photography and our approach to images in general?
The word »recourse« sounds somewhat reactionary. I don’t know anybody who doesn’t live in his or her own body. It is quite simply a given fact. When you get up in the morning you are confronted by an interesting conundrum: I am a body, I have a body. Only no one considers it. And yet sculpture considers it! Sculpture turns it into an unavoidable theme, namely that a human being has a body that he uses to perceive things, including himself. So in the quotidian round of getting up, one is aware of an interesting dichotomy: one has a body, about which one can think and speculate, whereas one also is a body that one shares a shower with in the morning. This generates a most productive tension. In this sense it has nothing to do with the past, nor is it recourse to anything, but rather an act of not-forgetting a present condition of life.
You put forward the following questions in your concept: what can sculpture achieve nowadays? What is the individual characteristic of sculpture by comparison to other artistic forms of expression—such as painting, drawing, photography, video, interdisciplinary multimedia art? How would you answer these questions?
These were the preliminary questions we used to start the ball rolling. As already mentioned, sculpture is capable of producing something quite unique by comparison to the other two-dimensional art forms. I don’t intend to demean or devalue two-dimensional art at all, but I am primarily intent on not overlooking sculpture’s quintessential nature.
However, perhaps one should say in more concrete terms that we are investigating a rather broad concept of sculpture. We intend to stage an historical reflection of what sculpture is today on the basis of works by Joseph Beuys and Paul Thek, as well as other influential artists, who were active in the 1960s and 1970s. There are a number of reference points I consider to be still relevant and exciting today. For these artists confront us unabatedly with total perception. In the interim this has turned into a form of provocation almost, when you consider the dominant cultural technical devices that have split up and apportioned our perception to the most diverse disciplines.
It is important to note here that the generation of artists including Katharina Fritsch, Georg Herold, Olaf Metzel and Stefan Balkenhol are all about 50 years old now and that they enjoy international renown as sculptors. At the start of the 1980s they started formulating a new approach towards figuration, the human form. At that time it was in the field of conceptual art, an extension of minimal art, very provocative.
However it’s not our intention simply to reintroduce the human figure retrospectively into the discourse. We are interested much more in the present day loss of context for figuration itself. The human form no longer exists in a set of significant contexts but instead enters into a confrontation with the viewer like an unsolved problem. In this way questions are asked anew about the individual, society and matters that are generally discussed in connection with postmodernism. For example, to what extent contextual connections in general can be interpreted in a larger context or how many partial connections can actually be cobbled together almost arbitrarily, a similar reproach levelled at postmodern architecture. In view of this, artists from the 1980s didn’t naively readopt figuration, but instead posed quite specific, concrete questions.
Another large section relates to Eastern European artists of the middle and younger generation, above all from Russia, Poland and Hungary. Following on from the 1980s the dialogue with Eastern Europe took centre stage in the 1990s and there was an active exchange between these positions.
This in turn provided the backdrop for the diversification of what constitutes sculpture today. At the same time the artists themselves questioned contemporary sculpture. This is a decisive point, for in this way Michael Sailstorfer—one of the youngest artists in the exhibition—has produced sculptures, which have a strong potential for generating sound. His idea is to expand the way or the form in which we perceive sculpture. The penetrating, droning—let’s not beat about the bush—downright racket can be felt in the pit of your stomach. Another image to illustrate the way sculpture has extended itself is Kristof Georgen. He turns space into sculpture by leading the viewer into a rotunda. Through a loud speaker in the wall you can hear the sound of someone jogging. You experience space, which also catapults you as it were into the head of the jogger, that is to say, into the body of another whilst the body is undergoing exertion. This is sculpture, too. It is extremely important to us that sculpture’s self-reflectiveness can be followed by the viewers in every direction as intensively as possible. Artur Zmijewski, who was featured in the Polish Pavilion at the Venice Biennale in 2005, works by comparison almost exclusively with video. However, the common denominator remains the possibility of fathoming the human body, or put another way: the body check.
This triennial will be the tenth, thus spanning thirty years. Normally that would be an opportunity to conduct a retrospective. Do you intend doing anything of this sort?
Our initial idea—the question »what can sculpture achieve nowadays?«—is in itself a homage to the tradition of the triennial. The previous, highly successful triennials were all thematic, sometime country-specific, sometimes placing a whole continent under the microscope. This year we have focused principally on sculpture; we are approaching the topic from its fundamental side.
The »documenta« in Kassel and the »Skulptur Projekte Münster 07« are also taking place this year. Are you at all worried about being upstaged by such apparently overpowering, illustrious competition or do you see it more as an opportunity?
Well, first of all this constitutes a richly contoured programme for prospective viewers during this forthcoming summer of culture. Questions can be asked after all these exhibitions have taken place.
Let’s start with the facts. The budget in Fellbach quite simply is in no way comparable to the budgets available in Münster or Kassel. Nevertheless, there will be more artists on show in Fellbach than Münster. That’s because the art projects in Münster are taking place outdoors. That is always an expensive affair and reduces the number of participants to 30 or 40. Anybody wanting to get an overview of what is current in the world of sculpture today will certainly be able to gather a good deal of information in Fellbach. We’ll have to wait and see what concept emerges in Kassel. Such a large event with all its constraints rapidly develops its own dynamic, which is difficult to control and which cannot effectively be curated. This raises the general question about the point of continuing to stage these large events that have already fulfilled their historic mission. The documenta brought culture to a freshly denazified Germany during the 1950s and 1960s and introduced international modernism to a broad audience in a manner that in part didn’t shy away from conflict. Such a meaningful mission is missing from the documenta today. It is a genuine problem that ought to be discussed once more afterwards. We are not labouring under any illusions here in Fellbach about what we can or cannot realistically achieve with our slim budget. We are concentrating upon a more contoured, well-thought out, thematic exhibition that will both inform and appeal to people.
You are making a virtue of necessity and seeing it as an advantage, in order to stage such a pointed and concentrated exhibition?
Let’s put it this way, I don’t have particular hardships in the first place. We don’t have any gallerists and art dealers trying to exert an immense influence. If we were to be confronted by this, then we would be forced to approach works differently. I am really happy to able to work here without such constraints and not have to get such a gigantic enterprise off the ground, which is a particularly difficult thing to achieve via a curatorial concept.
(Im März 2007 beantwortete Matthias Winzen, Kurator von »Bodycheck«, der 10. Triennale in Fellbach, die Fragen der Presse. Hier seine Antworten auf die wichtigsten Fragen.)
Der Titel der diesjährigen Triennale in Fellbach lautet »Bodycheck«. Was verbirgt sich hinter diesem Titel?
»Bodycheck« ist eine Metapher, die sich etwas aus dem Sport und aus der Medizin leiht. Den Begriff kennt man im sportlichen Bereich insbesondere aus dem Eishockey, wenn zwei gegnerische Spieler mit ihren Körpern aufeinander prallen. Von der medizinischen Seite klingt der Gesundheitscheck an, wenn der Körper medizinisch unter die Lupe genommen wird.
Wir wollen in der Ausstellung untersuchen, was die Kunst im allgemeinen und die Skulptur im besonderen zu einer Kultivierung unserer eigenen Körperlichkeit beitragen kann. Dahinter steckt die These, dass es insbesondere die Skulptur ist, die den ganzen Leib des Wahrnehmenden herausfordert, im Gegensatz zur fotografischen Kunst oder zur Malerei, also allen zweidimensionalen Künsten.
Geht es Ihnen also um die Objekthaftigkeit der Skulptur?
Wenn ich ein zweidimensionales Bild verstehen möchte, benötige ich zuerst das isolierte Auge. Nur das Auge kann in den Tiefenraum einer Fotografie hinein wandern. Das bedeutet, dass im Prozess der Wahrnehmung der visuelle Sinn vom Rest des Leibes abgetrennt wird. Das isolierte Auge ist unsere dominante Kulturtechnik, denken wir an das Internet und das Fernsehen, denen wir einen bedeutenden Teil unserer Zeit widmen. Das fängt schon mit dem Lesen eines Buches an. Die Skulptur ist da tatsächlich ein Stolperstein. Sie ist köperlich, sie ist dinghaft, sie nimmt Raumvolumen ein, genau wie unser eigener Körper. Skulptur spricht immer den ganzen wahrnehmenden Leib an. Wenn man vor einer Skulptur steht, ist das erste was man wahrnimmt – und zwar intuitiv – ihre Größe. Die Vergleichsgröße, die den Maßstab vorgibt, ist dabei der eigene Körper. Insofern ist der Leib als Ganzheit immer bei der Konfrontation mit Skulptur im Spiel, und zwar auf eine grundsätzliche Art und Weise. Das heißt im Endeffekt, dass jede Wahrnehmung von Skulptur ein Bodycheck ist.
Verstehe ich das richtig, wenn ich das als eine Art Rückgriff auf eine vergangene Sinnlichkeit interpretiere, die wir uns durch die digitalen Medien, die Fotografie und unseren Umgang mit Bildern abgewöhnt haben?
Rückgriff hört sich ein bisschen reaktionär an. Ich kenne keinen Menschen, der nicht in seinem Leib lebt. Es geht einfach um eine gegenwärtige Tatsache. Wenn man morgens aufsteht, wird man gleich mit einem interessanten Problem konfrontiert: Ich bin ein Leib, ich habe einen Leib. Das wird nur nicht bedacht. Und Skulptur denkt das! Skulptur macht unausweichlich zum Thema, dass dem Menschen ein Leibgehäuse zu eigen ist, mit dem er wahrnimmt – auch sich selbst. Man hat also schon beim allmorgendlichen Aufstehen einen interessanten Zwiespalt: Man hat einen Leib, über den man nachdenken kann, und man ist ein Leib, mit dem man sich morgens unter die Dusche stellt. Das ist eine richtig produktive Spannung. Insofern ist es nichts Vergangenes und kein Rückgriff, sondern es ist nur ein Nicht-Vergessen einer gegenwärtigen Lebensbedingung.
Sie fragen in Ihrem Konzept: Was vermag Skulptur heute? Was ist das Eigene von Bildhauerei im Vergleich zu anderen künstlerischen Ausdrucksweisen – zu Malerei, Zeichnung, Fotografie, Video, interdisziplinärer Multimediakunst? Wie lauten Ihre Antworten?
Das waren die Eingangsfragen, mit ihnen haben unsere Überlegungen begonnen. Wie schon erwähnt, kann Skulptur im Vergleich mit den zweidimensionalen Künsten etwas ganz Eigenes. Die zweidimensionalen Künste will ich überhaupt nicht abwerten. Es kommt mir aber darauf an, nicht zu vergessen, was das Ureigene der Skulptur ist.
Aber, um noch etwas konkreter zu werden: Wir untersuchen einen sehr breiten Skulpturbegriff. Anhand der Arbeiten von Joseph Beuys und Paul Thek sowie anderer Künstler, die in den 1960er und 1970er Jahren gearbeitet haben, wird ein historisches Nachdenken darüber stattfinden, was Skulptur heute ist. Es gibt einige Bezugspunkte, von denen ich behaupte, dass sie heute noch spannend und relevant sind. Denn diese Künstler konfrontieren uns unvermindert mit einer ganzheitlichen Wahrnehmung. Dies kommt in der Zwischenzeit beinahe einer Provokation gleich, denkt man an die heute dominierenden Kulturtechniken, die unsere Wahrnehmung den verschiedensten Disziplinen zugewiesen und diese so aufgesplittet haben.
Daran schließt sich ein wichtiger Punkt, die Generation um Katharina Fritsch, Georg Herold, Olaf Metzel und Stefan Balkenhol, die alle um die 50 Jahre alt und international renommierte Bildhauer sind. Sie haben Anfang der 1980er Jahre eine neue Fragestellung nach der Figuration, der menschlichen Gestalt formuliert. Das war damals im Umfeld der Konzeptkunst, den Ausläufern der Minimal Art, sehr provokativ.
Wir haben aber nicht vor, einfach die menschliche Figur rückblickend wieder neu in den Diskurs einzubringen. Uns interessiert vielmehr der heutige Kontextverlust der Figuration. Die menschliche Gestalt steht nicht mehr in Sinnzusammenhängen, sondern geht wie ein nicht erledigtes Problem in Konfrontation zum Betrachter. Damit stellen sich Fragen nach dem Individuum, der Gesellschaft und nach Dingen neu, die im Zusammenhang mit der Postmoderne diskutiert worden sind. Wie etwa Sinnzusammenhänge überhaupt in einem größeren Kontext zusammen zu lesen sind, oder wie viele isolierte Teilzusammenhänge fast beliebig zusammen geklebt werden können, ganz so wie es der postmodernen Architektur vorgeworfen worden ist. Vor genau diesem Hintergrund haben die Künstler der 1980er Jahre also keineswegs naiv die Figuration wieder aufgegriffen, sondern haben ganz konkrete Fragen gestellt.
Ein anderer, großer Part gilt östeuropäischen Künstlern der mittleren und jüngeren Generation, vor allem aus Russland, Polen und Ungarn. In den 1990er Jahren stand der Dialog mit Osteuropa im Mittelpunkt, gab es einen regen Austausch mit diesen Positionen.
Das ist der Hintergrund, vor dem es zu einer breiten Auffächerung dessen kam, was Skulptur heute ist. Im selben Atemzug haben die Künstler selbst die zeitgenössische Skulptur infrage gestellt. Das ist ein entscheidender Punkt, so entwickelt etwa Michael Sailstorfer, gleichzeitig einer der jüngsten Künstler unserer Ausstellung, Skulpturen mit starker Geräuschentwicklung. Ihm kommt es darauf an, die Wahrnehmungsform von Skulptur zu erweitern. Den durchdringenden, dröhnenden – nennen wir es ruhig auch, was es ist – Lärm spürt man in der Magengrube. Ein anderes Bild dafür, wie Skulptur ihre Grenzen erweitert hat, ist bei Kristof Georgen zu sehen. Er macht den Raum zur Skulptur, indem er den Betrachter in eine große Rotunde führt. Durch Lautsprecher an der Wand hört man jemandem beim Joggen zu. Man hat eine Raumerfahrung, die einen gleichsam in den Kopf des Joggenden, also in den angestrengten Körper eines anderen katapultiert. Auch das ist Skulptur. Uns ist es ungemein wichtig, dass diese Selbstreflexion der Skulptur in alle Richtungen sehr intensiv von den Betrachtern verfolgt werden kann. Artur Zmijewski, der für Polen 2005 den Pavillon auf der Biennale in Vendig bespielte, arbeitet dagegen fast ausschließlich mit Video. Der gemeinsame Nenner bleibt jedoch, die Möglichkeiten des menschlichen Körpers auszuloten, anders gesagt: der Bodycheck.
Die Triennale findet in diesem Jahr zum zehnten Mal, insgesamt also seit dreißig Jahren statt. Normalerweise ist das der Moment, ein Resümee zu ziehen, zurück zu blicken. Kommen Sie dem in irgendeiner Form nach?
Unsere Grundüberlegung, die Frage: »Was kann Skulptur heute?«, ist ja bereits eine Hommage an die Jahrzehnte lange Tradition der Triennale. Die sehr erfolgreichen Vorgänger-Triennalen hatten sich immer ein Thema gesetzt, mal länderspezifisch, mal einen ganzen Kontinent unter die Lupe nehmend. Dieses Jahr fragen wir dagegen grundsätzlich nach Skulptur, wir greifen das Thema von seiner grundsätzlichen Seite auf.
In diesem Jahr finden auch die documenta in Kassel und die Skulptur.Projekte in Münster statt. Machen Sie sich Sorgen darüber, hinter dieser scheinbar übermächtigen Konkurrenz zu verschwinden oder sehen Sie das vielleicht auch als Chance?
Das ist zunächst einmal ein konturiertes Angebot an die Betrachter in diesem Kultursommer. Wenn alle diese Ausstellungen absolviert sind, werden sich Fragen stellen.
Aber beginnen wir zunächst mit den Fakten. Der Etat in Fellbach ist in keiner Weise mit den Etats in Münster oder Kassel vergleichbar. Dennoch werden in Fellbach mehr Künstler als in Münster zu sehen sein. Das liegt daran, dass in Münster Kunst im öffentlichen Raum realisiert wird. Das ist immer eine sehr teure Sache und beschränkt die Teilnehmerzahl auf 30 oder 40. Wer dagegen einen Überblick haben möchte, was skulptural heute aktuell ist, der wird in Fellbach sehr viele Informationen sammeln können. In Kassel werden wir abwarten müssen, wie das Konzept genau aussieht. So eine Großveranstaltung mit ihren vielen Zwängen entwickelt sehr schnell eine schwer zu kontrollierende Eigendynamik, die nicht mehr kuratiert werden kann. Es stellt sich dabei generell die Frage, wie sinnvoll solche Großveranstaltungen noch sind, die ihre historische Mission erledigt, sie hinter sich haben. Die documenta hat in den 1950er und 1960er Jahren Kultur ins frisch entnazifizierte Deutschland gebracht und einem breiten Publikum die internationale Moderne teils sehr konfliktträchtig näher gebracht. Eine solche sinnstiftende Mission fehlt der documenta heute. Das ist wirklich ein Problem, das hinterher einmal diskutiert werden sollte. Wir geben uns dagegen in Fellbach keinen Illusionen darüber hin, welchen Umfang wir mit unserem schmalen Etat realisieren können. Wir konzentrieren uns vielmehr auf eine konturierte, durchdachte, thematische Ausstellung, die alle Interessierten informieren und ansprechen soll.
Sie machen aus der Not also eine Tugend und sehen das als Vorteil, um so eine pointierte und konzentrierte Ausstellung auf die Beine zu stellen?
Sagen wir es einmal so, ich habe bestimmte Nöte erst gar nicht. Uns stehen keine Galeristen und Kunsthändler gegenüber, die massiven Einfluss zu nehmen versuchen. Wenn man damit konfrontiert wäre, müsste man ganz anders zu Werke gehen. Ich bin ganz froh, hier ungezwungen arbeiten zu können und keine riesige Abspielstätte ins Laufen bringen zu müssen, die nur schwerlich über ein kuratorisches Konzept aufzustellen ist.
» Anybody wanting to get an overview of what is current in the world of sculpture today will certainly be able to gather a good deal of information in Fellbach «
(In March 2007 Matthias Winzen, curator of »Bodycheck«, the 10th Fellbach Triennial, answered questions from the press. Here are his replies to the most important questions.)
The title of this year’s Triennial in Fellbach is »Bodycheck«. What does this title imply?
»Bodycheck« is a metaphor, which draws on elements from the worlds of both sport and medicine. The term is well known in the field of ice hockey and describes the situation where one player uses his whole body to impede an opponent. Medically speaking the reference is to a health check, where the body is put under the medical microscope, as it were.
We want to investigate in the exhibition the extent to which art in general and sculpture in particular can contribute to a cultivation of our own corporeality. The thesis behind this approach suggests that it is particularly sculpture, which is able to challenge the whole body of the perceiving subject, in contrast to photography or painting, that is to say all two-dimensional art forms.
Are you particularly concerned with the essential »objectiveness« of sculpture?
I need an isolated eye if I want to understand a two-dimensional image. Only the eye can stray into the depth of a photograph. This means that where the perception process is concerned, the visual sense is separated from the rest of the body. The isolated eye is our dominant cultural technical device—think about the Internet or television, to which we devote a significant amount of our time. It already starts when you read a book. Sculpture is a bit of a stumbling block in this instance. It is physical, material, it takes up space in the same way that our bodies do. Sculpture speaks to the whole perceiving body. When you stand in front of a piece of sculpture the first thing you notice—intuitively—is its size. One’s own body provides the comparative scale here. That’s why the body as a whole always has a role to play in the confrontation with sculpture and always on a fundamental level. In the final analysis this means that sculpture constitutes a body check each time it is perceived.
Am I right in interpreting it as recourse to a past sensuality that we have since weaned ourselves off with our use of digital media, photography and our approach to images in general?
The word »recourse« sounds somewhat reactionary. I don’t know anybody who doesn’t live in his or her own body. It is quite simply a given fact. When you get up in the morning you are confronted by an interesting conundrum: I am a body, I have a body. Only no one considers it. And yet sculpture considers it! Sculpture turns it into an unavoidable theme, namely that a human being has a body that he uses to perceive things, including himself. So in the quotidian round of getting up, one is aware of an interesting dichotomy: one has a body, about which one can think and speculate, whereas one also is a body that one shares a shower with in the morning. This generates a most productive tension. In this sense it has nothing to do with the past, nor is it recourse to anything, but rather an act of not-forgetting a present condition of life.
You put forward the following questions in your concept: what can sculpture achieve nowadays? What is the individual characteristic of sculpture by comparison to other artistic forms of expression—such as painting, drawing, photography, video, interdisciplinary multimedia art? How would you answer these questions?
These were the preliminary questions we used to start the ball rolling. As already mentioned, sculpture is capable of producing something quite unique by comparison to the other two-dimensional art forms. I don’t intend to demean or devalue two-dimensional art at all, but I am primarily intent on not overlooking sculpture’s quintessential nature.
However, perhaps one should say in more concrete terms that we are investigating a rather broad concept of sculpture. We intend to stage an historical reflection of what sculpture is today on the basis of works by Joseph Beuys and Paul Thek, as well as other influential artists, who were active in the 1960s and 1970s. There are a number of reference points I consider to be still relevant and exciting today. For these artists confront us unabatedly with total perception. In the interim this has turned into a form of provocation almost, when you consider the dominant cultural technical devices that have split up and apportioned our perception to the most diverse disciplines.
It is important to note here that the generation of artists including Katharina Fritsch, Georg Herold, Olaf Metzel and Stefan Balkenhol are all about 50 years old now and that they enjoy international renown as sculptors. At the start of the 1980s they started formulating a new approach towards figuration, the human form. At that time it was in the field of conceptual art, an extension of minimal art, very provocative.
However it’s not our intention simply to reintroduce the human figure retrospectively into the discourse. We are interested much more in the present day loss of context for figuration itself. The human form no longer exists in a set of significant contexts but instead enters into a confrontation with the viewer like an unsolved problem. In this way questions are asked anew about the individual, society and matters that are generally discussed in connection with postmodernism. For example, to what extent contextual connections in general can be interpreted in a larger context or how many partial connections can actually be cobbled together almost arbitrarily, a similar reproach levelled at postmodern architecture. In view of this, artists from the 1980s didn’t naively readopt figuration, but instead posed quite specific, concrete questions.
Another large section relates to Eastern European artists of the middle and younger generation, above all from Russia, Poland and Hungary. Following on from the 1980s the dialogue with Eastern Europe took centre stage in the 1990s and there was an active exchange between these positions.
This in turn provided the backdrop for the diversification of what constitutes sculpture today. At the same time the artists themselves questioned contemporary sculpture. This is a decisive point, for in this way Michael Sailstorfer—one of the youngest artists in the exhibition—has produced sculptures, which have a strong potential for generating sound. His idea is to expand the way or the form in which we perceive sculpture. The penetrating, droning—let’s not beat about the bush—downright racket can be felt in the pit of your stomach. Another image to illustrate the way sculpture has extended itself is Kristof Georgen. He turns space into sculpture by leading the viewer into a rotunda. Through a loud speaker in the wall you can hear the sound of someone jogging. You experience space, which also catapults you as it were into the head of the jogger, that is to say, into the body of another whilst the body is undergoing exertion. This is sculpture, too. It is extremely important to us that sculpture’s self-reflectiveness can be followed by the viewers in every direction as intensively as possible. Artur Zmijewski, who was featured in the Polish Pavilion at the Venice Biennale in 2005, works by comparison almost exclusively with video. However, the common denominator remains the possibility of fathoming the human body, or put another way: the body check.
This triennial will be the tenth, thus spanning thirty years. Normally that would be an opportunity to conduct a retrospective. Do you intend doing anything of this sort?
Our initial idea—the question »what can sculpture achieve nowadays?«—is in itself a homage to the tradition of the triennial. The previous, highly successful triennials were all thematic, sometime country-specific, sometimes placing a whole continent under the microscope. This year we have focused principally on sculpture; we are approaching the topic from its fundamental side.
The »documenta« in Kassel and the »Skulptur Projekte Münster 07« are also taking place this year. Are you at all worried about being upstaged by such apparently overpowering, illustrious competition or do you see it more as an opportunity?
Well, first of all this constitutes a richly contoured programme for prospective viewers during this forthcoming summer of culture. Questions can be asked after all these exhibitions have taken place.
Let’s start with the facts. The budget in Fellbach quite simply is in no way comparable to the budgets available in Münster or Kassel. Nevertheless, there will be more artists on show in Fellbach than Münster. That’s because the art projects in Münster are taking place outdoors. That is always an expensive affair and reduces the number of participants to 30 or 40. Anybody wanting to get an overview of what is current in the world of sculpture today will certainly be able to gather a good deal of information in Fellbach. We’ll have to wait and see what concept emerges in Kassel. Such a large event with all its constraints rapidly develops its own dynamic, which is difficult to control and which cannot effectively be curated. This raises the general question about the point of continuing to stage these large events that have already fulfilled their historic mission. The documenta brought culture to a freshly denazified Germany during the 1950s and 1960s and introduced international modernism to a broad audience in a manner that in part didn’t shy away from conflict. Such a meaningful mission is missing from the documenta today. It is a genuine problem that ought to be discussed once more afterwards. We are not labouring under any illusions here in Fellbach about what we can or cannot realistically achieve with our slim budget. We are concentrating upon a more contoured, well-thought out, thematic exhibition that will both inform and appeal to people.
You are making a virtue of necessity and seeing it as an advantage, in order to stage such a pointed and concentrated exhibition?
Let’s put it this way, I don’t have particular hardships in the first place. We don’t have any gallerists and art dealers trying to exert an immense influence. If we were to be confronted by this, then we would be forced to approach works differently. I am really happy to able to work here without such constraints and not have to get such a gigantic enterprise off the ground, which is a particularly difficult thing to achieve via a curatorial concept.